Judith tappaa Holofernesin , Artemisia Gentileschi.Creative Commons Taiteen historia voi kuulostaa makkarajuhlilta. Missä kaikki naiset ovat? He ovat tietysti maalauksissa, joko idealisoituna versiona itsestään (muodollisissa muotokuvissa), halun kohteina (alastonkuvat), kunnianosoitusobjekteina (Neitsyt Maria), sado-masokististen, uskonnollisten mielenkiintojen kohteina. (naispyhien marttyyrikuolemat), vanhojen jumalattarina (Venus tai Diana) tai vanhojen jumalien seksuaalisena kohteena Metamorfoosi ). Mutta entä kankaan toisella puolella? Pysähdy melkein kenenkään kadulla ja pyydä heitä nimeämään hieno naisartisti, ja todennäköisesti he antavat sinulle modernin nimen, ehkä Marina Abramovic tai Tracey Emin. Mutta voisivatko he mainita jonkun, joka asui ennen ensimmäistä maailmansotaa?
Kysyin joiltakin taidehistorioitsija-kollegoilta, ja jopa heillä on vaikeuksia löytää enemmän kuin kourallinen nimiä (ja he myönsivät myös muistavansa nimet, mutta eivät nähneet taiteilijoiden teoksia). Onneksi on joitain suuria näyttelyitä, jotka ovat nostaneet esimodernit naisartistit myöhään.
New Yorkilaisilla on ollut onni osallistua viime vuoden tapahtumiin Vigée Le Brun: Naistaiteilija vallankumouksellisessa Ranskassa Metropolitanin taidemuseossa . Mutta suurin nimi ja ehkä ainoa renessanssin naisartisti, josta olet ehkä kuullut, on tällä hetkellä esillä Rooman menestysnäyttelyssä: Artemisia Gentileschi ja hänen aikansa Rooman museossa Palazzo Braschissa.
Artemisia Gentileschi (1593-1656) on kuuluisa, mutta enimmäkseen vääristä syistä. Hän on oopperatarina seksistä ja väkivallasta - tosielämän Jacobean kosto-tragedia, joka varjostaa liian usein hänen maalauksensa. Kuuluisan maalarin, Orazio Gentileschin, vanhin lapsi loisti heti perheen johtavana lahjakkuutena työskentelemällä isänsä studiossa veljiensä rinnalla. Koska hänen isänsä, kuten niin monet Roomassa työskentelevät taiteilijat 1600-luvun alussa, oli Caravaggion teoksen kauhistuttama - hänen dramaattiset, realistiset, väkivaltaiset, dynaamiset, täynnä valaistut kankaansa puhuvat Rooman puheista. ennen heitä - hänkin otti tämän tyylin, ja häntä voidaan pitää Caravaggistin toisena sukupolvena.
Caravaggion tyyli oli niin uusi ja suosittu, että taiteilijat kokoontuivat jäljittelemään häntä - jopa Bolognan Carracci-akatemian edistämässä kilpailevassa, vakiintuneemmassa akateemisessa tyylissä koulutettuja - joita hän ei voinut noudattaa. Hän haastoi ihmisiä tai uhkasi väkivaltaa ihmisiä kohtaan, jotka kiihtyivät hänen tyyliinsä (tai ylikypsivät artisokat, kuten eräs onneton tarjoilija huomasi). Silti kaikista jäljittelijöistä vain kaksi (ainakin mielessäni) erottuu siitä, että hän on verrannut itse Caravaggion tai ylittänyt sen. Vaikka kyseessä on subjektiivinen mielipide (mutta monien jakama), luulen, että Artemisia oli Caravaggion tasolla, ehkä A: lla hänen A +: lle (mieluummin häntä Judith Headofing Holofernes hänelle, koska se tuntuu enemmän kastraatiokosto-fantasialta, mistä tietysti kyseinen raamatullinen tarina on kyse). Ja ainoa taiteilija, joka ylitti hänet, oli kiistatta aliarvioitu Ribera.
Caravaggion elämäkerta on murhaa ja sekasortoa, mutta Artemisia on samanlainen tumma. Hänen äitinsä kuoli, kun hän oli kaksitoista, ja hän joutui kateuden uhriksi huomattavasta kyvystään, ja häntä syytettiin usein hänen isänsä tai veljensä avusta. Mutta hänen uransa määrittelevä hetki oli valitettavasti kauhea. Maalari Agostino Tassille, jonka isä palkkasi ohjaajaksi, raiskasi hänet yhdessä toisen hyökkääjän, Cosimo Quorlisin, kanssa. Artemisian ystävä, Tuzi-niminen perhevuokralainen, kuuli hänen huutavansa apua, mutta ei ottanut niitä huomioon.
Mutta tarina kasvoi monimutkaisemmaksi. Jos Tassi, jo naimisissa, menisi naimisiin Artemisian kanssa, kasvot saattaisivat pelastua (pidä mielessä, että tämä oli 17thvuosisadalla). He jatkoivat seksuaalisia suhteitaan, Tassi merkitsi Artemisiaa avioliiton odotusten ohella. Hänen isänsä Orazio tiesi tämän, mutta piti äitiä perheen kunnian säilyttämiseksi. Toisin sanoen, kunnes kävi selväksi, ettei avioliittoa tule olemaan. Tuolloin Orazio haastoi Tassin oikeuteen, ja suurta kiinnostusta herättänyt oikeudenkäynti kesti seitsemän kuukautta.
Koe oli kauhuelokuva, sekä kirjaimellisesti että tarinoiden suhteen, joita se herätti pintaan. Tassi tuli ulos, hän oli suunnitellut murhata vaimonsa ja hänellä oli ollut muita rakastajia jatkaessaan Artemisiaa. Erittäin perverssissä käytännöissä Artemisiaa kidutettiin todistuksensa todentamiseksi - olettaen, että hän kestää kidutuksen totuuden nimissä tai myöntää valehtelevansa pakenemaan siitä. Tuon ajan lakien takia pakanoilla ei ollut tapausta, elleivät he pystyneet todistamaan, että Tassi oli ottanut Artemisian neitsyyden, joka muistutti Gentileschi-perheen tuhoutumista tekemällä potentiaalisen myötäjäisen tytär naimisiin.
Oikeudenkäynti päättyi lievästi. Tassille tuomittiin vuoden vankeus, mutta hän ei ollut palannut päivään. Mutta Artemisian tarina parani tuosta pimeästä hetkestä eteenpäin. Vain kuukauden kuluttua oikeudenkäynnistä Orazio järjesti tyttärelleen järjestetyn avioliiton, joka osoittautui hedelmälliseksi. Hän muutti Firenzeen uuden aviomiehensä, Pierantonio Stiattesin, taiteilijan kanssa, joka on vähän tunnettu, mutta tukeva hahmo. Heillä oli tytär, ja Artemisian ura kukoisti, nyt Rooman ja hänen perheensä varjosta. Hän sai palkkiot Firenzen Mediciltä ja Englannin Kaarle I: ltä. Hän ystävystyi Galileon kanssa ja oli ensimmäinen nainen, joka otettiin mukaan Firenzen Accademia delle Arte del Disegnoon, joka perustettiin vuonna 1563 renessanssin taiteilijan, arkkitehdin ja historioitsijan Giorgio Vasarin aloitteesta.
Ellei Vasari, olemme saattaneet menettää jälkensä renessanssin hyvin harvoista naisartisteista. Vasari tunnetaan parhaiten siitä, että hän on kirjoittanut taiteilijoiden ryhmän elämäkerran, jonka painokset julkaistiin vuosina 1550 ja 1568 Eloisimpien maalareiden, kuvanveistäjien ja arkkitehtien elämä . Tätä pidetään ensimmäisenä todellisena taideteoksena, ja hänen näkemyksensä taiteesta värjäävät suurelta osin tapaa, jota pidämme taiteena tähän päivään asti. Vaikka Vasari asui sukupolven ajan ennen Artemisiaa, hänen kiitoksensa ansiosta tunnemme upeita renessanssin naisartisteita.
Sofonisba Anguissola ja hänen kolme sisartaan, Lucia, Minerva ja Europa, asuivat ja työskentelivät Cremonassa. Sofonisbasta Vasari kirjoitti: Näin hänen isänsä talossa käsin tehdyn maalauksen, joka oli tehty erittäin ahkerasti ja jossa hänen kolme sisartaan pelaavat shakkia ja heidän kanssaan vanha sisäkkö, niin ahkerasti ja tarkkaavaisesti, että he todella näyttävät olevan elossa ja kadottaneet mitään mutta puheen voima. Hän jatkoi kirjoittamalla, että hän on osoittanut suurempaa soveltamista ja parempaa armoa kuin mikään muu ikäisemme nainen pyrkiessään piirtämään; hän onnistui näin paitsi piirtämään, värittämään ja maalaamaan luonnosta, kopioimaan erinomaisesti muilta, mutta hän on itse luonut harvinaisia ja erittäin kauniita maalauksia. Vasarin ylistys naisartisteista on täynnä naispuolista naisvihamielisyyttä (hän kuulostaa melkein yllättyneeltä, että hän naisena voisi luoda omia harvinaisia ja erittäin kauniita maalauksia). Mutta hän tunnisti hänen lahjakkuutensa.
Anguissolan perhe oli kremonilaista aristokratiaa, mikä voidaan päätellä siitä, että heillä oli aikaa opiskella maalausta ja pelata shakkia ollenkaan. Heidän isänsä, Amilcare Anguissola, ei ollut taiteilija, toisin kuin useimmat esimodernit taiteilijat. Pikemminkin hän oli varakas, rakastava isä, joka antoi tyttärilleen loistavan koulutuksen ja rohkaisi heidän taitojaan taiteessa huolimatta avioliittokelpoisuudestaan - ylellisyydestä, jonka heidän rikkautensa ja aatelistonsa sallivat. Sofonisba matkustaa Roomaan tapaamaan Michelangeloa, ja myöhemmin hänestä tuli Espanjan kuninkaan Filippiin II: n hovimaalari. Hän asui pitkä, rikas elämä, mukaan lukien käynnistämällä ensimmäisen aviomiehensä naimisiin merikapteenin kanssa, jonka kanssa hän pysyi 40 vuotta. 92-vuotiaana hän istui nuoren Antony Van Dyckin muotokuvaan hänen oleskellessaan Genovassa.
Sofonisba mainitaan Vasarin kertomuksessa toisesta naisartistista, Bolognan Properzia de 'Rossista (anna Vasarille anteeksi hänen naisvihamielisyytensä, jos haluat - naispuolisten taiteilijoiden sisällyttäminen hänen historiaansa oli ollenkaan feminististä): [Naisia] ei ole myöskään ollut häpeään laittaa lempeät valkoiset kätensä mekaanisiin asioihin ja marmorin karkeuden ja raudan karkeuden keskellä seurata heidän toiveitaan ja tuoda mainetta itselleen, samoin kuin Properzia de 'Rossi, nuori nainen, lahjakas paitsi kotitalouksissa, mutta äärettömissä tiedon muodoissa, joita kadehtivat sekä miehet että naiset.
Properzialla oli rehellisesti sanottuna outo, mutta merkittävä erikoisuus: hän pystyi veistämään pieniä hahmoja persikkakuoppiin. Yksi Properzian monimutkaisimmista teoksista sisälsi koko Kristuksen intohimon veistämisen, joka oli tehty kauneimmalla veistoksella, ja apostolien ja ristiinnaulitsemisen palvelijoiden lisäksi lukemattomalla hahmolla. Properzian Passion Pit tekisi upean nimen naisartistin yökerholle.
Mutta miksi juuri niin vähän naisartisteja oli ennen 20thvuosisadalla? Siellä on ilmeinen syy, ja hieman vähemmän syy. Ensimmäinen on se, että naiset harjoittavat vain rajoitettua määrää ammatteja teolliseen vallankumoukseen asti ja todella 20: eenthvuosisadalla. Käsityöt, kuten maalaaminen ja veistokset, olivat miehen työtä melkein yksinomaan, ilman mitään erityisen hyvää syytä paitsi tapana. Renessanssin naiset olivat yleensä nunnia, vaimoja ja äitejä, prostituoituja, tai heillä oli hyvin satunnaisia muita tehtäviä (sairaanhoitajia, piikoja, odottavia naisia, pesuloita, ompelijoita jne.)
Vähemmän ilmeinen syy liittyy studiosysteemiin, joka oli paikallaan ja yleinen taiteilijoiden keskuudessa teolliseen vallankumoukseen asti ja joissakin tapauksissa sen jälkeenkin. Useimmat taiteilijat koko historian ajan kouluttavat oppisopimuskoulutukseen, usein aloittavat jo 8-vuotiaana, asuvat ja työskentelevät mestarin kanssa. 16- tai 18-vuotiaille heille annettiin mahdollisuus pysyä palkallisena avustajana tai lyödä itsestään perustaa oma studio. Oman studion perustamiseksi nuoren pyrkivän oli toimitettava mestariteos taidemaalarin killan paikalliselle sivuliikkeelle, eräänlainen protoyhdistys, joka kontrolloi alueellaan työskentelevien taiteilijoiden laatua ja määrää (yleensä kutsutaan Guild of Saint Luke, joka oli maalareiden suojeluspyhimys). Tämä on mestariteoksen oikea määritelmä: yksi teos, jonka perusteella taiteilija arvioidaan, jotta voidaan selvittää, ovatko he riittävän hyvät mestariksi tulemiseen ja oman studion avaamiseen.
Oppisopimuskoulutuksessa työskentelevät ja avustajat, jotka asuvat ja työskentelevät yhdessä ympäri vuorokauden, saattavat olla hankalia eivätkä edistä työskentelyä, jos tilanne, jota olemme toimineet yhdessä, ottaen huomioon 12-16-vuotiaiden raivoavat hormonit. Joten ellei nuori nainen olisi riittävän varakas ottaakseen palkatun opettajan tai ellei hän olisi työskennellyt taiteilijan perheessä, hänellä ei olisi mahdollisuutta harjoittaa taidetta. Kunnes 19thvuosisadalla, jolloin taiteilijamateriaaleja alettiin valmistaa tehtaalla, pigmentit, kangas ja paneelit olivat kalliita, usein kohtuuttoman kalliita, ellei niitä ostettu osana maksettua provisiota. Näin ollen ei ollut perinteitä tehdä taidetta vain huvin vuoksi, kustannusten vuoksi. Joten ei ole yllättävää, että tunnettuja naisartisteja pitäisi olla suhteellisen vähän ennen modernia aikakautta, jolloin taiteen ala, kuten useimmat ammatit, avautui jatkuvasti kasvavalla tasa-arvolla.
Studiot ovat edelleen olemassa (katsovat Damien Hirst ja Jeff Koons tänään, kaksi historian myydyintä taiteilijaa, jotka suunnittelevat ja valvovat taideteoksensa luomista, mutta eivät itse tee siitä itse, heidän avustajatiiminsä tekee suurimman osan käytännön asioista työ). Mutta vanha kiltajärjestelmä hajosi teollisen vallankumouksen myötä, eikä taiteellisuus ole enää lukittu yhteen tai toiseen sukupuoleen.
On ehkä ironista, mutta vain, että valtaosa taidehistorioitsijoista on naisia. Vaikka menneiden aikakausien naistaiteilijat olivat arvokkaita harvinaisia, naiset johtavat nyt taiteiden tutkimusta valtavasti, ja miehiä on enemmän kuin suurissa huutokauppataloissa (tosin ei aina aivan huipulla). Joten ehkä tulevaisuudessa opimme vielä enemmän menneistä naisartisteista.
Tämä on viimeisin vuonna Braganca Arts ’ uusi sarja Salaisuudet ja symbolit , kirjoittanut kirjailija ja taidehistorioitsija Noah Charney. Hänen seuraava kirja kertoo Giorgio Vasarista ja hänen vaikutuksistaan, ja se julkaistaan Nortonin seuraavana syksynä.
